Licht und Leinwand

Das Kampf zwischen Fotografie und Malerei wird in elf statt zwölf Runden (alias Kapitel) ausgetragen. Nicht jede Runde findet in einem neuen Ausstellungssaal statt, aber jedes Kapitel setzt einen neuen Fokus auf das Duell. Während einige Hoheitsansprüche und Existenzängste der beiden Kunstformen auch noch heute nachzuvollziehen sind, werden andere dem Besucher in der Ausstellung erst wieder ins Bewusstsein gerufen. Im Beitrag schauen wir uns nun einige Runden intensiver an.

Wie viele Künstler um 1840 sicherte sich auch der Maler Friedrich von Amerling seinen finanziellen Unterhalt durch die Porträtmalerei. Sein Bildnis der „Freifrau Cäcilie von Eskeles“ (1832) zeigt die Dame mit einem Miniaturbildnis ihrer Kinder in der Hand. Doch die Kunstform musste sich ab den späten 1850er Jahren gegen die Daguerreotypie duellieren, die kleine nahezu perfekte Abbilder der Realität schuf. Ihr milchiger verschwommener Anblick, der an heutige Filter in Photoshop erinnert, bedeutete neben der langen Belichtungszeit, die den Einsatz von Kopfhaltern erforderlich machte, einen ästhetischen Rückschritt. Trotzdem starben die malerischen Miniaturbildnisse förmlich aus, dafür erfreuten sich die großen repräsentativen Porträts weiterhin großer Beliebtheit. Das Ausstellungszitat aus der Zeitschrift "Der Humorist" von 1842 untermalt die Ängste bildendender Künstler aus dem 19. Jahrhundert treffend: „Wer wird künftig malen, wenn die Daguerreotypie Bilder der Welt heißhungrig verschlingt?“

Die Fotografie entstand in einer Zeit, in der Historienbilder hoch im Kurs standen. Doch während die Malerei mit Fantasie und Abstraktion beispielsweise Faust und Margarethe auf die Leinwand bringen kann, muss eine Fotografie erst liebevoll inszeniert werden mit Hilfe von Kostümen und Requisiten. Szenen zu Alfred Tennysons „Idylls of the King“, Freshwater, Isle of Wight“ 1874/75 von Julia Margaret Cameron sollten in der Ausstellung besonders aufmerksam betrachtet werden. Die einzige Künstlerin und Fotografin der Ausstellung lichtete Verwandte und Freunde in liebevoller und aufwendiger Kostümierung ab. Dabei gelang es ihr, Emotionen darzustellen und Ironie zu verarbeiten, die der Malerei in nichts nachstanden und ihr teils sogar voraus waren.  

Die „Ruhende Nymphe“ (1870) von Anselm Feuerbach transportiert Nacktheit über einen mythologischen Rahmen. Im Gegensatz zu Aktfotografien wirken die Aktmalereien weniger unmittelbar, abstrahieren und ästhetisieren die Weiblichkeit und Männlichkeit. Fotografien arbeiten hingegen mit einer realen Person, deren Augen aus dem Bild stechen. Bis ins 19. Jahrhundert wurde der Kauf von Aktfotografien streng geahndet. So musste sich die Aktfotografie jedenfalls offiziell der Sexualmoral des 19. Jahrhunderts geschlagen geben.    

Das 19. Jahrhundert war ein Reisezeitalter. Künstler begaben sich für eine Bildungsreise in das ferne Italien und in den Nahen Osten. Während Maler zweidimensional abbildeten, konnte die Stereo-Fotografie Räumlichkeit darstellen. Außerdem nahmen sich Maler Reisefotografien als Vorlage, um sich in ihren Bildern auf Licht und Farbe zu konzentrieren. Eine umfassende Darstellung der Reiseeindrücke lieferten letztlich nur Fotografien. Die Malerei beschränkte sich auf einzelne Komponenten, die Raum ließen für künstlerische Ausgestaltung.

Henri Fantin-Latour orientierte sich für sein Bild der „Malvenstrauß“ (1882) stark an den Aufnahmen von Adolphe Brauns Stillleben. Zwar wirkt das Gemälde räumlich flach, nicht so detailgetreu wie fotografische Aufnahmen, dafür ist es farblich ausgestaltet. Das einzige Gemälde der Ausstellung aus dem 17. Jahrhundert von Henri Fantin-Latour zeigt ein Arrangement, das der Fantasie entsprungen ist. Blumen in verschiedensten Farben, Formen und Herkunft sind abgebildet.

Pferdedarstellungen erfreuten sich in adeligen Kreisen enormer Beliebtheit. Dabei sollten Kavallerieszenen und Porträts präzise und anatomisch korrekt auf die Leinwand gebracht werden. Der Fotopionier Eadweard Muybridge offenbarte durch seine Erfindung der Chronofotografie, dass Pferde ihre Beine nicht alle gleichzeitig strecken, wenn sie galoppieren. Dadurch galten viele malerische Arbeiten als überholt. Maler positionierten sich neu, indem sie ihren Kunstanspruch betonten, während die Fotografie als Gewerbe verstanden wurde: „Je mehr ein Maler oder Zeichner nach Fotografien arbeitet, desto mehr untergräbt er seine Beobachtungsgabe und Ausdruckskraft. Er wäre mit dem Schwimmer vergleichbar, der im Rettungsring übt“, so Walter Sickert im Jahr 1893. Doch dieser Knockout-Versuch konnte nicht zu einem K.O. führen, weil selbst Maler und Malerinnen die Fotografie still und heimlich wertschätzten. Hinter verschlossenen Türen benutzten sie Fotografien als Skizzenersatz und Malvorlage.

Ein Sieger lässt sich nicht bestimmen, dafür aber festhalten, wie spannend das Duell zwischen Fotografie und Malerei von der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe kuratiert wurde. Während die Fotografie im 19. Jahrhundert eine Nische im exakten, wissenschaftlichen Abbilden fand, machte die Malerei ihren Kunstanspruch geltend. Ein lustiges Gimmick bietet das Ende der Ausstellung. Hier ist ein Foto-Studio im Stil von 1850 aufgebaut, bei dem Besucher fix ein Foto machen können, das auf eigenen Wunsch Teil der Ausstellung werden kann. Die Raum-Klang-Installation im Anschluss der Ausstellung von Takashi Arai zeigt rund 30 Daguerreotypien, bei dem der Fokus auf der Einmaligkeit des Moments und der Person eines solchen Fotos liegt.